Pintura

PINTURA MURAL Y DE CABALLETE

La pintura  es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc.

Se suele dividir en pintura mural o de caballete.

La pintura mural puede ser fresco o temple, mientras que la de caballete puede realizarse con óleo, pasteles, temple, acrílicos.

Veamos un poco más: 

PINTURA MURAL

Pintura al fresco: se realiza sobre un muro de cal apagada, se van aplicando los pigmentos minerales disueltos en agua, mientras éste se mantiene húmedo. Esta técnica fue practicada por civilizaciones antiguas como la Griega y la Romana (S. I), pero el período de mayor esplendor fue en el Renacimiento Italiano. En el mundo prehispánico sobresalen las pinturas murales al fresco de Cacaxtla, en Tlaxcala, y de Bonampak, en Yucatán.

Pintura mural al seco o fresco seco: es bastante similar a la pintura al fresco, solo que en este caso, la pintura se aplica sobre la superficie previamente preparada pero "seca".

Pintura al temple: se prepara con los pigmentos puestos en suspensión en agua de cola animal o vegetal, que hace de aglutinante.

Sólo se aplica en interiores, y en especial para decoración de paredes y techos enlucidos de Yeso.

PINTURA DE CABALLETE

Las pinturas de caballete son obras ejecutadas sobre soportes movibles, como son las tablas y los lienzos. Como se deduce de su propio nombre, el soporte se coloca durante la ejecución del cuadro sobre un caballete. Puede utilizarse para pintar óleo, pasteles, temples, o acrílicos.

También puede la pintura clasificarse por géneros, los cuáles veremos a continuación.

GÉNEROS PICTÓRICOS

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte.

Mencionaremos por ejemplo: la pintura histórica, el retrato, la pintura de género, el paisaje y la naturaleza muerta.

PINTURA HISTÓRICA: ella incluye las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, es prácticamente una interpretación de la vida y muestra un mensaje intelectual o moral.

Aunque Nicolas Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó “Las Meninas” con un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra “Guernica” de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.

RETRATO: el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos.

PINTURA DE GÉNERO: La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador.

PAISAJE: En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa.

NATURALEZA MUERTA: Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya, Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta.

Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el “cubismo” pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

ANÁLISIS DE OBRA

AL ANALIZAR UNA OBRA DE ARTE, podemos encontrar que el Color puede ser:

ARMÓNICO: es decir que mantiene una semejanza entre colores del mismo tono. No hay grandes contrastes y se respeta una “gama” de colores. Composiciones con estas características expresan equilibrio y bienestar.

SATURADO: cuando el color se presenta con alta intensidad cromática, sin mezcla de blanco; como si fuera sacado directamente del pomo.

Composiciones con estas características expresan vigor, fuerza, exaltación y entusiasmo.

ESPACIAL: es el color que se presenta en tridimensión, el caso más característico es el de la niebla.

Encontramos este tipo de color en obras renacentistas y a principios del Siglo XIX  con Turner, en el Romanticismo, por ejemplo.

PELÍCULA O FILM: cuando los objetos aparecen con luminosidad propia, como si la luz saliera de ellos. Esto se ve con claridad en las obras de Rembrandt.

"La ronda nocturna"

Rembrandt

SIMBÓLICO: es el carácter subjetivo por el cual se le atribuye a un color un significado particular que intenta expresar un mensaje.

Este uso del color se dio en muchas etapas de la historia del arte, en la época Medieval, por ejemplo, fue usado con un fin religioso; en el Expresionismo con un fin político y social.

OBJETIVO: cuando se atiene a la realidad, es decir, a la apariencia real de las cosas.

Retrato de la Princesa de Broglie

De Jean Auguste Dominique Ingres

SUBJETIVO: Cuando la realidad está representada con características muy personales, propias de cada artista y a través de ella trata de expresar una realidad distinta, usualmente con la incorporación de elementos irreales o ilusorios.

Encontramos ejemplos en obras de Dalí y Chagall

"La paranoia de Narciso"

Eugenio Salvador Dalí

ACLARACIÓN: Ahora bien, es importante destacar que cada obra pictórica puede responder a más de uno de los análisis que mencionamos recientemente. 

Por ejemplo:

"La cena de Emaus" - Rembrandt
Color film (o película), Espacial y Armónico

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"Improvisación" - Kandinsky
Color Saturado y Subjetivo

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"Valle entre Montañas" J.M. Rugendas
Museo de Arte Tigre - Argentina
Color objetivo y armónico

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"Terráqueos en marcha" - Raquel Forner
Color Saturado, Subjetivo y Simbólico

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"La hora del almuerzo" - Pío Collivadino

Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina) Color objetivo y armónico